Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

La mirada que define

Esta semana el cine se detiene en cómo miramos a los otros y, sobre todo, en cómo esa mirada puede construir o destruir identidades. Dos películas que abordan realidades distintas —la diferencia intelectual y la credibilidad de la palabra— pero que coinciden en una misma pregunta: quién tiene el poder de nombrar la verdad.

Altas capacidades

En Altas capacidades, Víctor García León se adentra en la vida de un niño con altas capacidades intelectuales que lucha por encajar en un sistema educativo que no está preparado para comprender su singularidad. A través de su entorno familiar y escolar, la película explora los límites de la normalidad impuesta.

García León construye un relato cercano, de observación fina, evitando el sentimentalismo fácil. La cámara se sitúa a la altura del niño, permitiendo que el espectador experimente la distancia entre su mundo interior y la rigidez del entorno que lo rodea.

Altas capacidades no busca convertir a su protagonista en excepción, sino en espejo. La película plantea una reflexión incómoda sobre los sistemas que clasifican y limitan, y sobre la dificultad de aceptar aquello que se sale de la norma.

Yo te creo

La película belga Yo te creo (On vous croit), dirigida por Charlotte Devillers y Arnaud Dufeys, sigue a una joven que denuncia un episodio de violencia, desencadenando un proceso judicial y social donde su palabra será puesta constantemente en duda. El film examina las dinámicas de credibilidad en contextos institucionales.

Devillers y Dufeys apuestan por una puesta en escena sobria, casi clínica, que refuerza la sensación de aislamiento de la protagonista. Cada interrogatorio, cada silencio, se convierte en un espacio de tensión donde la verdad parece diluirse.

Yo te creo es un cine incómodo, necesario, que cuestiona la estructura misma de la confianza social. La película no ofrece respuestas fáciles, pero deja una pregunta persistente: qué significa realmente creer a alguien.

🎬 La opinión del Sr. Director

Entre la inteligencia que no encaja y la palabra que se pone en duda, estas dos películas nos recuerdan que la mirada del otro puede ser tanto refugio como condena. El cine, cuando se atreve a explorar esa frontera, se convierte en un espacio de cuestionamiento profundo.

Porque entender al otro empieza, muchas veces, por aprender a mirarlo de nuevo. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

Las fotos de la semana: del 16 al 22 de marzo 2026

 

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

Estrenos de la semana

La memoria como resistencia

Esta semana el cine mira de frente al pasado y al presente con una misma herramienta: la memoria. Ya sea desde la emoción íntima o desde la urgencia política, las imágenes se convierten en un acto de resistencia frente al olvido. Dos películas que, desde lugares opuestos, comparten una misma necesidad: dejar constancia.

Amarga Navidad

En Amarga Navidad, Pedro Almodóvar regresa a un territorio emocional reconocible para explorar una historia marcada por las heridas familiares y los recuerdos que resurgen en fechas señaladas. Ambientada en un entorno doméstico aparentemente apacible, la película se adentra en las tensiones que laten bajo la superficie de la celebración.

Almodóvar vuelve a demostrar su dominio del melodrama, pero lo hace desde una contención poco habitual en su filmografía más exuberante. Aquí el color y la puesta en escena siguen presentes, pero se pliegan al peso emocional de los personajes, que habitan el relato con una vulnerabilidad desarmante.

Amarga Navidad es un film sobre la persistencia del pasado. Cada diálogo, cada mirada, parece atravesada por lo no dicho. Almodóvar no busca cerrar heridas, sino observar cómo conviven con nosotros. Una obra madura, consciente de su propio legado.

Mr. Nobody contra Putin

El documental checo Mr. Nobody contra Putin, dirigido por David Borenstein y Pavel Talankin, sigue la historia de un ciudadano anónimo que decide enfrentarse al aparato del poder ruso mediante pequeños actos de resistencia. A través de material de archivo y seguimiento directo, la película construye un retrato de la disidencia en tiempos de represión.

La película se sostiene sobre una premisa sencilla pero poderosa: observar cómo lo cotidiano puede convertirse en un acto político. La cámara no busca el espectáculo, sino la proximidad, acompañando a su protagonista en un proceso que es tanto personal como colectivo.

Ganadora del Óscar 2025 al mejor largometraje documental, Mr. Nobody contra Putin (Mr. Nobody Against Putin) confirma el valor del cine como herramienta de denuncia y testimonio. Su fuerza reside en la honestidad del enfoque y en la capacidad de convertir una historia individual en símbolo universal.

🎬 La opinión del Sr. Director

Desde la intimidad de una familia hasta la lucha silenciosa de un individuo frente al poder, estas dos películas recuerdan que la memoria no es solo un ejercicio del pasado, sino una forma de posicionarse en el presente. El cine, cuando se compromete con esa idea, deja de ser solo relato para convertirse en acto.

Porque recordar también es una forma de resistir. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

Las fotos de la semana: del 9 al 15 de marzo 2026

 

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

Reescribir el mito

Dos películas muy diferentes dialogan esta semana sobre la reinvención de las historias que creíamos conocer. Una revisita un mito clásico desde una mirada contemporánea; la otra se adentra en los mecanismos del poder político en el mundo árabe. Entre el imaginario gótico y el thriller político, el cine vuelve a preguntarse quién controla el relato.

¡La novia!

En ¡La novia! (The Bride!), Maggie Gyllenhaal propone una reinterpretación del universo de Frankenstein centrada en la figura de la novia creada para el monstruo. Ambientada en un contexto moderno que dialoga con el imaginario clásico, la película explora la identidad y la autonomía de un personaje que históricamente había sido reducido a símbolo.

Gyllenhaal aborda el material con una sensibilidad que combina romanticismo oscuro y mirada contemporánea. La puesta en escena recupera la atmósfera gótica del mito original, pero introduce una reflexión actual sobre el cuerpo, la creación y la libertad individual.

Más que una relectura nostálgica, ¡La novia! funciona como un ejercicio de reescritura del canon. La película convierte a su protagonista en sujeto de la historia, desplazando el centro del relato hacia una voz que durante décadas permaneció en silencio.

Águilas de El Cairo

Águilas de El Cairo (Eagles of the Republic), del director Tarik Saleh, se sitúa en el corazón del aparato político egipcio. A través de la figura de un funcionario que empieza a cuestionar el sistema al que sirve, la película examina las tensiones entre lealtad, ideología y conciencia personal.

Saleh despliega un thriller político de atmósfera densa, donde cada gesto y cada conversación parecen estar vigilados. La puesta en escena transmite una sensación constante de control y sospecha, reflejando la fragilidad del individuo frente al aparato estatal.

Bajo la estructura del suspense late una reflexión amarga sobre la naturaleza del poder. Águilas de El Cairo continúa la exploración de Saleh sobre las relaciones entre política y moral, confirmándolo como una de las voces más incisivas del cine político contemporáneo.

🎬 La opinión del Sr. Director

Una película mira hacia el pasado para cuestionar sus mitos; la otra examina el presente para revelar sus estructuras de poder. Ambas coinciden en algo esencial: las historias nunca son inocentes. Quien las cuenta, decide también qué versión del mundo llega a nosotros.

Quizá por eso seguimos volviendo al cine: para escuchar historias que nos obliguen a mirar de nuevo lo que creíamos comprender. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

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Las fotos de la semana: del 2 al 8 de marzo 2026

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

El poder y sus sombras

Tres películas, tres geografías y una misma inquietud: cómo se ejerce el poder y qué huella deja en quienes lo rodean. Desde los pasillos del Kremlin hasta las carreteras británicas y los paisajes urbanos de Nigeria, el cine de esta semana observa la relación entre autoridad, deseo y memoria.

El mago del Kremlin

En El mago del Kremlin, Olivier Assayas adapta la novela de Giuliano da Empoli para retratar la figura de un estratega político cercano al poder ruso que, desde la sombra, contribuye a moldear la arquitectura del régimen contemporáneo. La película se construye como una reflexión sobre la manipulación del relato político.

Assayas aborda el material con su habitual elegancia intelectual. El film se despliega como una conversación permanente sobre la naturaleza del poder, donde las palabras pesan tanto como las acciones. La puesta en escena evita el espectáculo y privilegia la tensión psicológica.

El mago del Kremlin (Le Mage du Kremlin) no busca desvelar secretos concretos, sino mostrar el mecanismo del poder contemporáneo: su capacidad para convertir la realidad en narrativa. Un cine político reflexivo, más interesado en la idea que en el gesto.

Pillion

La británica Pillion, dirigida por Harry Lighton, sigue a un joven que entra en contacto con el mundo de los clubes motociclistas y las dinámicas de poder y sumisión que se generan en ese entorno cerrado. La película explora las relaciones afectivas dentro de una comunidad marcada por códigos propios.

Lighton construye un relato físico, donde el cuerpo y el deseo ocupan el centro de la escena. La cámara se aproxima a los personajes con una mezcla de curiosidad y distancia crítica, evitando tanto el juicio moral como la glorificación.

Bajo la superficie de la historia late una reflexión sobre la búsqueda de pertenencia. Pillion se convierte así en un estudio sobre identidad y dominación, donde cada vínculo revela la necesidad humana de formar parte de algo mayor.

La sombra de mi padre

En La sombra de mi padre, el director nigeriano Akinola Davies propone una historia familiar ambientada en Lagos, donde un joven intenta comprender la figura de su padre ausente a través de recuerdos fragmentados y encuentros con quienes lo conocieron.

Davies apuesta por un tono íntimo y contemplativo. La película avanza entre escenas cotidianas que revelan la complejidad de los vínculos familiares en un contexto social cambiante.

El resultado es un relato sensible sobre la memoria y la herencia emocional. La sombra de mi padre (My Father's Shadow) demuestra cómo el cine africano contemporáneo continúa ampliando su mirada, combinando realismo social con una profunda introspección personal.

🎬 La opinión del Sr. Director

El poder adopta muchas formas: la política, el deseo, la memoria familiar. Estas tres películas recuerdan que, detrás de cada estructura visible, siempre existen historias humanas más complejas. El cine se convierte así en una herramienta privilegiada para observar esas sombras que acompañan a toda forma de autoridad.

Porque a veces las historias más reveladoras no se cuentan en voz alta, sino en los silencios que dejan tras de sí. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

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Las fotos de la semana: del 23 de febrero al 1 de marzo 2026

 

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

Heridas invisibles

Dos películas que, desde registros muy distintos, hablan de lo que no siempre se puede nombrar. El trauma íntimo y la memoria emocional se convierten esta semana en el eje de dos miradas que entienden el cine como espacio de reconstrucción.

Sorry, Baby

Sorry, Baby, dirigida por Eva Victor, sigue a una joven que intenta recomponer su vida tras una experiencia traumática que ha alterado su percepción del mundo. A través de encuentros cotidianos y silencios incómodos, la película retrata el proceso irregular de la sanación.

Victor apuesta por una narración fragmentada, casi pudorosa. La cámara no invade, observa. El dolor aparece en los gestos mínimos, en las pausas, en lo que los personajes no saben cómo expresar. La película rehúye el dramatismo explícito y confía en la contención.

Sorry, Baby es un film sobre la dificultad de volver a habitar el propio cuerpo. Su honestidad formal y emocional convierte cada escena en un espacio de vulnerabilidad compartida. Una obra pequeña en apariencia, profunda en resonancia.

Scarlet

En Scarlet, Mamoru Hosoda narra la historia de una adolescente que descubre un universo alternativo conectado con sus emociones más profundas. A medida que la frontera entre realidad y fantasía se difumina, la protagonista debe afrontar un conflicto interior que amenaza con desbordarla.

Hosoda combina espectacularidad visual con introspección emocional. La animación despliega colores vibrantes y mundos expansivos, pero el núcleo del relato es íntimo: la construcción de la identidad en un momento de transición vital.

Bajo su envoltorio fantástico, Scarlet reflexiona sobre el duelo y la madurez. El director japonés vuelve a demostrar su habilidad para convertir la animación en vehículo de reflexión emocional sin perder potencia visual.

🎬 La opinión del Sr. Director

Una desde el realismo íntimo, la otra desde la fantasía expansiva. Ambas películas coinciden en algo esencial: sanar implica atravesar el dolor, no esquivarlo. El cine, cuando se atreve a mirar esas heridas invisibles, se convierte en un espacio de comprensión y acompañamiento.

A veces, la luz más intensa nace de las grietas. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

Las fotos de la semana: del 16 al 22 de febrero 2026