Las fotos de la semana: del 26 de enero al 1 de febrero 2026

 

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

Crecer a contracorriente

Dos películas separadas por cultura, tono y forma, pero unidas por una misma inquietud: qué ocurre cuando el mundo empuja en una dirección y el cuerpo, la mente o el deseo avanzan en otra. Esta semana, el cine observa la fricción entre individuo y entorno.

Marty Supreme

Marty Supreme sigue el ascenso y la caída emocional de un joven prodigio del tenis de mesa en el circuito profesional estadounidense de los años noventa. Dotado de un talento excepcional, Marty lucha por sostener su identidad en un entorno competitivo que devora a quienes no saben adaptarse a sus reglas.

Joshua Safdie imprime a la película una energía nerviosa, casi física. La cámara no observa: persigue, aprieta, invade. Marty Supreme es menos un biopic deportivo que un retrato del desbordamiento, del talento entendido como fuerza incontrolable.

Safdie entiende el éxito como una forma de violencia silenciosa. Cada victoria deja un rastro de desgaste, cada aplauso aísla un poco más al protagonista. El film avanza como una espiral, incómoda y fascinante, que no concede redención fácil.

La chica zurda

Ambientada en un barrio popular de Taipéi, La chica zurda (Left-Handed Girl) narra la infancia de una niña zurda en una familia marcada por tradiciones rígidas y tensiones soterradas. A través de lo cotidiano, la película retrata el aprendizaje temprano de la diferencia.

Shih-Ching Tsou construye un relato de una delicadeza extraordinaria. La cámara se sitúa a la altura de la niña, sin juzgar ni subrayar, dejando que los pequeños gestos revelen el conflicto entre identidad y norma social.

La película avanza con una serenidad engañosa. Bajo su aparente sencillez late una reflexión profunda sobre la herencia cultural y la violencia suave de lo cotidiano. Left-Handed Girl es un film pequeño solo en apariencia, inmenso en resonancia emocional.

🎬 La opinión del Sr. Director

Desde el ruido competitivo hasta el silencio doméstico, ambas películas muestran que crecer implica negociar con un mundo que rara vez está hecho a nuestra medida. El cine, cuando mira con honestidad, convierte esa fricción en materia viva.

A veces, avanzar significa aprender a usar la mano que nadie espera. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

Las fotos de la semana: del 19 al 25 de enero 2026

 

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

El dolor que permanece, la memoria que se transforma

Esta semana el cine se asoma a lo invisible: al duelo que no se dice y a la imaginación como refugio. Dos películas muy distintas dialogan en silencio sobre lo mismo: cómo seguir viviendo cuando algo esencial se ha roto.

Hamnet

Ambientada en la Inglaterra del siglo XVI, Hamnet narra la historia de Agnes y William Shakespeare tras la muerte de su hijo Hamnet, un acontecimiento que fractura la vida familiar y marca de forma indeleble la obra futura del dramaturgo. La película se centra en el impacto íntimo de la pérdida, más que en la figura pública del escritor.

Chloé Zhao filma la pérdida desde la contención. Hamnet no busca explicar el dolor, sino habitarlo. La cámara observa los gestos mínimos, los espacios vacíos, el tiempo suspendido que deja la muerte de un hijo. Todo ocurre en los márgenes, donde la ausencia pesa más que cualquier palabra.

Zhao convierte la naturaleza y los cuerpos en un mismo territorio emocional. El duelo no avanza en línea recta: se repliega, se transforma, encuentra salidas inesperadas. El cine aquí no consuela, pero acompaña, que es una forma más honesta de estar.

Arco

Arco sigue a un joven que, ante una experiencia traumática, se refugia en un universo interior donde la imaginación y el recuerdo se entrelazan. A través de un viaje simbólico, la película explora cómo la mente reconstruye la realidad para poder seguir adelante. Ugo Bienvenu propone en Arco un viaje íntimo hacia la imaginación como mecanismo de defensa. La animación francesa se aleja del ruido y apuesta por la sugerencia, construyendo un relato donde el recuerdo y la fantasía se confunden hasta volverse inseparables.

La película entiende la animación como espacio mental: un lugar donde lo imposible puede existir sin pedir permiso. Arco no huye del dolor, lo reconfigura, lo convierte en forma, en color, en movimiento. Una obra delicada, profundamente coherente con su propuesta.

🎬 La opinión del Sr. Director

Una desde la tierra y el cuerpo, la otra desde el trazo y la imaginación. Ambas películas entienden que el dolor no desaparece, pero puede encontrar nuevas formas de decirse. El cine, una vez más, como espacio de transformación silenciosa.

Hay películas que no buscan respuestas, sino acompañar el trayecto. Esta semana, el cine nos invita a mirar hacia dentro con respeto y calma. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

Las fotos de la semana: del 12 al 18 de enero 2026

 

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

La infección y la culpa

Esta semana el cine se atreve a mirar al abismo: 28 años después: El Templo de los huesos, de Nia DaCosta sobre guion de Alex Garland, prolonga la saga del virus de la ira para convertirla en una reflexión sobre la fe, la culpa y la posibilidad de redención; y El mal, de Juanma Bajo Ulloa, regresa al territorio más oscuro del alma humana con una parábola visual sobre la violencia y la decadencia moral. Dos obras que, desde extremos formales, nos enfrentan a la misma pregunta: ¿de dónde nace el mal?

🎬 28 años después: El Templo de los huesos

Nia DaCosta recoge el legado de Danny Boyle y lo transforma en un relato más filosófico que visceral. The Bone Temple sitúa la acción casi tres décadas después del primer brote. Ralph Fiennes interpreta al doctor Ian Kelson, un científico solitario que intenta hallar un equilibrio entre la ciencia y la fe mientras el mundo, dividido entre sectas y comunidades armadas, se desmorona. A su lado, Emma Laird encarna a una superviviente que todavía cree que la compasión puede ser un antídoto.

DaCosta apuesta por una puesta en escena de una belleza desoladora: cielos plomizos, templos en ruinas y un silencio que pesa más que cualquier grito. El guion de Alex Garland mantiene su sello: personajes que razonan en mitad del horror, preguntas morales más que respuestas. Fiennes ofrece una interpretación solemne, herida, cargada de culpa. Más que un relato de infectados, la película es una elegía sobre la pérdida de lo sagrado en un mundo roto. Un regreso poderoso que demuestra que el género puede reflexionar sin perder su intensidad.

🎬 El mal

Con El mal, Juanma Bajo Ulloa firma su obra más perturbadora desde La madre muerta. En 129 minutos de intensidad hipnótica, el director bilbaíno propone un descenso a los infiernos personales y colectivos de una sociedad que ha perdido todo referente moral. Sin protagonistas definidos, la película entrelaza varias historias —una familia marcada por la violencia, un sacerdote corrupto, un político en caída libre— para construir un mosaico inquietante sobre la naturaleza humana.

Ulloa combina simbolismo religioso, violencia contenida y una estética de claroscuro pictórico que remite al barroco español. Cada plano está pensado como un cuadro que incomoda y fascina a partes iguales. El sonido, casi litúrgico, y los silencios prolongados crean una atmósfera de redención imposible. El mal no da respuestas ni moraliza; invita a mirar sin apartar la vista. Es cine incómodo, de los que dejan huella en la conciencia y en la retina.

🎬 La opinión del Sr. Director

Una muestra de que el cine, incluso cuando se adentra en la oscuridad, puede alumbrar pensamiento. En 28 años después: El Templo de los huesos, el mal se expande como una infección; en El mal, brota desde dentro, disfrazado de rutina. DaCosta y Ulloa, cada uno en su lenguaje, coinciden en que la redención no siempre llega, pero el simple acto de buscarla ya nos separa de la barbarie. Dos películas distintas que nos obligan a mirar más allá del miedo.

Así cerramos la función de esta semana. Que el cine siga recordándonos que en toda oscuridad late una chispa de verdad. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

Las fotos de la semana: del 5 al 11 de enero 2026

 

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

Tres latidos para abrir el año

Arranca 2026 con tres películas que miran hacia la emoción humana desde ángulos opuestos: Song Sung Blue: canción para dos, de Craig Brewer, nos devuelve el pulso del soul y la redención; Nouvelle Vague, de Richard Linklater, juega con la memoria del cine y el tiempo; y La cronología del tiempo, el debut como directora de Kristen Stewart, se atreve a sumergirse en lo íntimo y lo salvaje. Tres formas de empezar el año recordando que el cine, como la vida, es una cuestión de ritmo y coraje.

🎬 Song Sung Blue: Canción para dos

Craig Brewer vuelve al terreno del drama musical con Song Sung Blue: canción para dos, una historia ambientada en Memphis sobre un antiguo cantante de soul que, tras décadas de olvido, intenta recomponer su vida y reencontrar su voz. Jamie Foxx interpreta con entrega a ese artista roto, acompañado por Teyonah Parris y Forest Whitaker en una cinta que combina fe, ritmo y sudor.

Brewer filma con respeto y electricidad: cada acorde suena a redención y cada plano está cargado de historia musical. La película evita el sentimentalismo fácil y se apoya en la autenticidad del soul como grito de dignidad. Es un filme que vibra con humanidad y que devuelve al cine estadounidense esa mezcla de polvo, música y esperanza que tanto echábamos de menos.

🎬 Nouvelle Vague

En Nouvelle Vague, Richard Linklater rinde un homenaje travieso y melancólico a la generación que reinventó el cine. Ambientada en París, sigue a un grupo de jóvenes cineastas que, en pleno 1969, debaten, filman, aman y se contradicen entre cafés, humo y proyecciones clandestinas. Con Léa Seydoux, Paul Dano y André Holland, el filme es una carta de amor a la creación y a la libertad artística.

Linklater se permite jugar con los formatos, alternando blanco y negro y color, y empleando su habitual narrativa circular. El resultado es un collage de ideas, un ensayo sobre el tiempo y la pasión por filmar. Puede que no sea su obra más accesible, pero sí una de las más libres: un recordatorio de que el cine vive de quienes se atreven a reinventarlo.

🎬 La cronología del agua

Kristen Stewart debuta tras la cámara adaptando las memorias de la escritora Lidia Yuknavitch. The Chronology of Water es un viaje sensorial sobre el cuerpo, el deseo y la reconstrucción personal, protagonizado por Imogen Poots. La película transita entre la crudeza autobiográfica y la experimentación poética, abordando temas como la identidad sexual, el duelo y la autodestrucción.

Stewart filma con valentía y lirismo. Su cámara es íntima, casi física, y convierte el agua —símbolo de cambio y renacimiento— en una presencia constante. Es un debut arrebatador y honesto, que confirma lo que muchos intuíamos: Kristen Stewart tiene una voz cinematográfica tan indómita como sensible.

🎬 La opinión del Sr. Director

Song Sung Blue: canción para dos, Nouvelle Vague y La cronología del agua son tres formas de mirar la creación: una desde la música, otra desde el cine y la última desde la memoria del cuerpo. Brewer habla del renacimiento, Linklater de la herencia y Stewart de la identidad. Las tres juntas inauguran el año recordándonos que el arte no se hereda: se reinventa.

Así levantamos el telón de 2026. Que el nuevo año traiga más películas valientes, más miradas únicas y más emoción de la buena. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

FELIZ NAVIDAD Y PRÓSPERO AÑO 2026

 

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

Intimidades y fugas para despedir el año

Cerramos el año con dos películas que hablan, cada una a su manera, de la huida y del espejo: Vie privée, de Rebecca Zlotowski, devuelve a Jodie Foster al centro del drama contemporáneo con una historia sobre la exposición mediática y la búsqueda de autenticidad; y Emergency Exit, de Luis Miñarro, propone una experiencia sensorial sobre la desaparición, la muerte y la libertad. Dos obras que cierran el calendario cinematográfico recordándonos que el cine también sabe despedirse con elegancia.

🎬 Vida privada

Rebecca Zlotowski vuelve al terreno de la emoción íntima tras Les enfants des autres, con una película que combina la observación social y la ternura contenida. Vie privée sigue a Ellen Rogers (interpretada por Jodie Foster), una célebre periodista cultural que, tras décadas de vida pública, decide aislarse en una casa costera mientras un joven documentalista intenta retratarla. El resultado es una meditación sobre la imagen, el tiempo y la necesidad de silencio.

Foster ofrece una interpretación magistral: contenida, lúcida, con ese brillo melancólico de las grandes actrices que conocen el peso del mito. Zlotowski filma la soledad con delicadeza y convierte la rutina —leer, mirar el mar, recordar— en un acto de resistencia. Vie privée es cine de aire y mirada: una película que no teme ser lenta, porque sabe que la intimidad necesita tiempo para revelarse.

🎬 Emergency Exit

Con Emergency Exit, Luis Miñarro confirma su lugar como uno de los autores más libres y radicales del cine español. La película, mitad documental, mitad ficción, sigue a un hombre que decide abandonar su vida cotidiana y desaparecer sin aviso, dejando tras de sí una carta y un vacío. Miñarro convierte ese gesto en una exploración poética de la muerte, el deseo y la trascendencia.

Rodada con una cámara errante, casi etérea, y una fotografía de claroscuros que recuerda al Tarkovski más espiritual, la película se convierte en un viaje hacia el más allá emocional. No hay trama al uso: hay sensaciones, destellos, imágenes que parecen susurrar más que contar. Emergency Exit es, ante todo, una experiencia: el intento de filmar lo invisible, de captar ese instante en que la vida se despide de sí misma.

🎬 La opinión del Sr. Director

En Vie privée y Emergency Exit el hilo común es la retirada. Una, desde la serenidad de quien busca reconectar con su esencia; la otra, desde la radicalidad de quien decide no seguir. Zlotowski y Miñarro, tan distintos, coinciden en recordarnos que, a veces, la resistencia consiste en parar, callar o desaparecer. Dos películas que, sin pretenderlo, nos dejan la mejor metáfora posible para cerrar el año: saber irse a tiempo también es una forma de arte.

Y con estas dos despedidas fílmicas, bajamos el telón por este 2025. Que la luz del proyector se convierta en la de las velas, y que cada fotograma nos acompañe durante estas fiestas. Feliz Navidad de cine, y que el nuevo año nos encuentre —como siempre— entre butacas. 🎄🎬✨

Las fotos de la semana: del 8 al 14 de diciembre 2025