Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

Aprender a dominar lo que no se puede controlar

Esta semana el cine nos coloca ante dos formas opuestas de enfrentarse al caos. En Hope, una pequeña comunidad intenta comprender una amenaza que desborda cualquier lógica conocida. En Karateka, Sandra Sánchez convierte el esfuerzo, la repetición y la disciplina en una manera de desafiar aquello que parecía decidido de antemano. Na Hong-jin filma el miedo cuando el mundo deja de obedecer nuestras reglas; Aritz Moreno, la voluntad de alguien que se niega a aceptar las que otros han escrito para ella.

Hope

En Hope Harbor, una aldea aislada de Corea del Sur situada cerca de la Zona Desmilitarizada, el jefe del puesto policial Bum-seok y la agente Sung-ae comienzan a recibir noticias sobre una extraña criatura que merodea por los alrededores. Mientras intentan proteger a una población formada en gran parte por ancianos, Sung-ki y varios habitantes se adentran en las montañas para localizar a la bestia. La búsqueda termina invirtiéndose: los cazadores pasan a convertirse en presas y aquello que parecía un incidente local comienza a adquirir unas dimensiones imposibles de controlar.

Na Hong-jin vuelve a demostrar que entiende el género como un territorio donde las reglas pueden quebrarse en cualquier momento. Después de The Chaser, The Yellow Sea y El extraño, su cine regresa a esa mezcla de violencia, superstición, humor y desconcierto que impide al espectador acomodarse. Hope comienza como un thriller rural, se transforma en película de monstruos, roza el wéstern y acaba expandiéndose hacia una ciencia ficción de escala casi apocalíptica. Hong Kyung-pyo fotografía esa mutación con una energía enorme, mientras el montaje convierte persecuciones, carreteras, bosques y edificios en un espacio donde la acción apenas deja margen para recuperar el aliento.

Lo más interesante de Hope no son sus criaturas, sino la incapacidad humana para interpretar aquello que tiene delante. Na Hong-jin ha explicado que la película parte de una idea sencilla: muchas tragedias nacen de los malentendidos. Y alrededor de ella construye un espectáculo excesivo, a veces incluso desbordado, que puede fascinar tanto como agotar. Hay momentos donde el despliegue visual amenaza con comerse a los personajes, pero precisamente ahí aparece su provocación: cuando dejamos de comprender algo, nuestro primer impulso suele ser nombrarlo como amenaza y combatirlo. Hope convierte ese reflejo en espectáculo y después nos obliga a preguntarnos si alguna vez entendimos realmente aquello contra lo que luchábamos.

Karateka

Sandra Sánchez comienza a practicar kárate desde niña y pronto convierte esa afición en una vocación competitiva. Sin embargo, el camino hacia la élite está marcado por interrupciones, decisiones familiares y un sistema deportivo que llega a considerarla demasiado mayor para seguir apostando por ella. Junto a Jesús del Moral, entrenador y posteriormente compañero de vida, Sandra inicia una nueva etapa que la llevará a competir internacionalmente, enfrentarse al dominio japonés del kata y perseguir un objetivo que parece llegar demasiado tarde: el oro olímpico en Tokio.

Aritz Moreno se enfrenta a uno de los géneros más previsibles del cine —el biopic deportivo— y decide combatir esa previsibilidad desde la puesta en escena. La película concede a los katas una dimensión casi coreográfica: el cuerpo, la respiración, la precisión y la concentración sustituyen al combate físico tradicional. Andrea Ros reproduce con notable rigor los movimientos de Sandra Sánchez y Patrick Criado evita convertir a Jesús del Moral en el simple entrenador inspirador de manual. Moreno imprime además un tratamiento visual más estilizado de lo habitual en este tipo de historias, con especial atención a los espacios, la luz y los viajes por Japón y Taiwán.

Karateka conoce perfectamente el destino de su protagonista y, por tanto, su verdadero desafío no consiste en sorprendernos con el resultado, sino en conseguir que comprendamos todo lo que pesa antes de llegar hasta él. La película acelera algunos años y simplifica inevitablemente parte del recorrido, pero encuentra su fuerza en la relación entre Sandra y Jesús y, sobre todo, en una idea que trasciende el deporte: qué sucede cuando alguien decide seguir adelante después de que una institución le haya comunicado que su momento ya pasó. Andrea Ros sostiene esa batalla sin convertirla en proclama. Su Sandra no vence porque ignore sus límites, sino porque ha aprendido exactamente dónde están.

🎬 La opinión del Sr. Director

Hope y Karateka parecen películas incompatibles, pero ambas hablan de nuestra necesidad de imponer un orden. Na Hong-jin destruye ese orden hasta convertirlo en pánico; Aritz Moreno muestra cómo puede construirse lentamente mediante entrenamiento, paciencia y confianza. Una película mira lo desconocido y descubre que no sabe cómo responder. La otra mira un objetivo imposible y decide repetir el mismo gesto hasta conseguirlo.

Me quedo con Hope por su ferocidad y su capacidad para llevar el cine de género hacia lugares imprevisibles, aunque sus excesos también forman parte de sus defectos. Karateka juega en un terreno más conocido, pero Aritz Moreno consigue darle personalidad visual y evitar que la historia de Sandra Sánchez quede reducida a una sucesión de victorias.

A veces avanzar significa comprender el caos; otras, repetir un gesto hasta que el mundo termina cediendo. Nos vemos entre butacas.

Las fotos de la semana: del 19 al 25 de octubre 2026

 

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

Cuando alguien entra y todo cambia

Tres películas muy distintas coinciden esta semana en una misma intuición: basta una presencia inesperada para alterar el orden que creíamos seguro. Lee Chang-dong enfrenta a dos matrimonios separados por el dinero y por la mirada de una cámara; Fernando Eimbcke introduce a un niño en la rutina férrea de una mujer que había aprendido a vivir sola; José Mota obliga a un hombre endurecido por la guerra a reencontrarse con la imaginación que heredó de su padre. Un amor posible, Moscas y Arriba Tutto hablan, cada una a su manera, de personas obligadas a mirar de nuevo una vida que ya daban por entendida.

Un amor posible

Ho-seok es un trabajador despedido cuya vida familiar arrastra todavía las consecuencias económicas y emocionales de la pérdida del empleo. Su esposa, Mi-ok, mantiene como puede el equilibrio cotidiano. Sus caminos se cruzan con los de Ye-ji, una documentalista interesada en retratar a trabajadores afectados por la reconversión industrial, y Sang-woo, su acomodado marido. El proyecto cinematográfico acerca a los dos matrimonios y termina abriendo un espacio donde las diferencias sociales, las frustraciones conyugales y ciertos deseos hasta entonces ocultos empiezan a mezclarse.

Lee Chang-dong regresa ocho años después de Burning con una película extensa y paciente que trabaja por acumulación. Las revelaciones llegan lentamente, a través de conversaciones, miradas y pequeñas incomodidades que van modificando nuestra percepción de los cuatro personajes. La cámara que Ye-ji introduce en la vida del matrimonio obrero no es únicamente una herramienta narrativa: plantea una cuestión moral sobre quién posee una historia y hasta qué punto observar el sufrimiento de otro puede convertirse también en una forma de apropiación. Jeon Do-yeon sostiene buena parte de esa complejidad con una interpretación donde conviven entusiasmo, cansancio, deseo y orgullo, mientras Lee hace que las diferencias de clase estén presentes incluso cuando nadie habla de dinero.

Un amor posible es probablemente la película más ambiciosa de las tres y también la que más exige al espectador. Sus 164 minutos no buscan precipitar el conflicto, sino dejar que las relaciones se contaminen poco a poco de comparación, admiración, envidia y afecto. Lee no presenta pobres virtuosos frente a ricos culpables: le interesa una zona bastante más incómoda, aquella en la que incluso la amistad puede estar condicionada por la desigualdad. El resultado es un drama de enorme inteligencia que termina preguntándose si podemos querer verdaderamente a alguien cuya vida deseamos, compadecemos o utilizamos para explicarnos la nuestra.

Moscas

Olga tiene cincuenta y cinco años, vive sola en un gran bloque de viviendas y necesita dinero para afrontar una operación. Por eso alquila una habitación a Tulio, un hombre cuya mujer está ingresada en el hospital situado frente al edificio. Olga ignora que el nuevo inquilino ha introducido también en el piso a Cristian, su hijo de nueve años. Cuando descubre al niño, su rutina de sudokus, televisión, siestas y aislamiento comienza a transformarse mediante una convivencia que ninguno de los dos había buscado.

Fernando Eimbcke vuelve al blanco y negro y a ese territorio en el que parece sentirse especialmente cómodo: personajes corrientes observados con paciencia mientras las pequeñas cosas terminan revelando mucho más que los grandes acontecimientos. María Secco fotografía los interiores con una sobriedad que refuerza la sensación de encierro y los planos fijos dejan espacio para que el humor nazca del comportamiento, de los silencios y de los objetos. Eimbcke nunca necesita subrayar la ternura. Incluso el propio título funciona desde esa lógica: una molestia mínima, una presencia que uno querría expulsar y que acaba alterando por completo la habitación.

Hay una modestia muy hermosa en Moscas. La película no pretende convertir el encuentro entre Olga y Cristian en una fábula redentora ni hacer de la soledad una enfermedad que deba curarse. Simplemente observa qué sucede cuando alguien ocupa un espacio que habíamos decidido reservar únicamente para nosotros. Teresita Sánchez compone a Olga sin buscar simpatía inmediata y Bastián Escobar introduce una naturalidad que mantiene a raya cualquier tentación sentimental. Eimbcke encuentra así emoción donde otros buscarían drama: en una espera, una partida, una comida o una conversación que quizá no parezca importante hasta que termina.

Arriba Tutto

En 1905, Michi es un niño que viaja junto a su padre, un cómico ambulante empeñado en enseñarle que incluso en las situaciones más difíciles puede encontrarse humor, imaginación y asombro. Años después, la guerra ha convertido a aquel muchacho en un hombre amargado y dominado por el rencor. Un acontecimiento inesperado y el reencuentro con Conchita, su amor de infancia, lo obligarán a recuperar una parte de aquella forma de entender la vida que parecía definitivamente perdida.

José Mota se estrena en la dirección con una película que no oculta sus referentes: Chaplin, Lubitsch, Berlanga, La vida es bella o incluso la memoria sentimental de Cinema Paradiso sobrevuelan una tragicomedia que coloca el humor frente a la violencia y la intolerancia. La fotografía de Kiko de la Rica dota al paisaje castellano de un aspecto deliberadamente clásico y la película busca combinar aventura, fantasía, melodrama y comedia popular. Karra Elejalde aporta peso al primer tramo y Mota, ya como Michi adulto, traslada a la pantalla muchas de las obsesiones que han recorrido su carrera como humorista.

Arriba Tutto es seguramente la propuesta más irregular de esta semana, pero también una de las más sincera en sus intenciones. Mota quiere defender la risa como una forma de insumisión y no teme resultar ingenuo al hacerlo. Esa voluntad provoca algunos cambios de tono bruscos y momentos donde la emoción parece demasiado buscada, pero sería injusto negar la ambición de un debut que intenta algo bastante más arriesgado que trasladar sus sketches al cine. Su mejor argumento aparece cuando deja de insistir en la moraleja y permite que la comedia haga precisamente aquello que reivindica: abrir una pequeña posibilidad de libertad allí donde todo parece cerrado.

🎬 La opinión del Sr. Director

Lee Chang-dong necesita dos matrimonios para hablar de las distancias que crea el dinero; Eimbcke necesita una mujer y un niño para demostrar cuánto puede cambiar una vida sin hacer ruido; José Mota recurre a la comedia para preguntarse qué queda de nosotros cuando el mundo consigue arrebatarnos la capacidad de asombro.

Si tuviera que elegir, Un amor posible es la película más profunda de la semana y Moscas, quizá, la que alcanza con menos elementos una emoción más limpia. Arriba Tutto tropieza más, pero hay algo respetable en su defensa casi obstinada de la risa cuando todo invita a renunciar a ella.

A veces basta que alguien entre en nuestra vida para descubrir que llevábamos demasiado tiempo mirando siempre hacia el mismo sitio.
Nos vemos entre butacas.

Las fotos de la semana: del 12 al 18 de octubre 2026

 

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

Estrenos de la semana

Todo lo que una casa termina por contar

Hay casas que protegen y casas que terminan convirtiéndose en una prueba. Esta semana, La invitación encierra a cuatro adultos alrededor de una mesa hasta que las buenas maneras dejan de bastar, mientras El mal hijo lleva a un niño a convivir con una abuela casi desconocida y con una historia familiar que nadie ha sabido ordenar del todo. Olivia Wilde se sirve de la comedia para desnudar una pareja; Jaime Lorente prefiere la aspereza de un drama rural. En ambas, cerrar la puerta al mundo exterior significa quedarse a solas con aquello que ya no puede seguir evitándose.

La invitación (The Invite)

Joe y Angela atraviesan uno de esos momentos del matrimonio en los que la rutina parece haber ocupado el lugar del deseo. Una noche reciben en su apartamento a los vecinos de arriba, Hawk y Piña, una pareja mucho más desinhibida y aparentemente satisfecha. Lo que comienza como una cena cordial deriva poco a poco en confesiones, provocaciones y preguntas que obligan a los cuatro a enfrentarse a aspectos de sus relaciones que preferían mantener fuera de la conversación.

Olivia Wilde conserva la naturaleza teatral del material original y entiende que buena parte de su fuerza depende de no escapar del apartamento. La cámara se mueve entre los personajes, las distancias se acortan y el montaje va cambiando el peso de cada conversación mientras el alcohol y la confianza hacen su trabajo. Seth Rogen y la propia Wilde construyen una pareja reconociblemente desgastada, mientras Edward Norton y Penélope Cruz introducen una energía más imprevisible. Cruz, en particular, convierte la espontaneidad de Piña en algo más complejo que una simple provocación sexual: bajo su desenvoltura hay también una forma distinta de entender la intimidad.

La película funciona mejor cuando deja de preocuparse por la ocurrencia y observa el pequeño teatro que construimos delante de otras parejas. Compararse con los vecinos significa comparar también deseos, frustraciones y versiones idealizadas de la felicidad ajena. No todo el humor alcanza la misma precisión, pero Wilde encuentra algo verdadero detrás de la incomodidad: una pareja puede conocerse durante años y seguir sin haberse formulado las preguntas importantes. Lo divertido es escuchar cómo empiezan a hacerlas. Lo menos divertido, quizá, es reconocer alguna respuesta.

El mal hijo

Rubén tiene once años cuando la desaparición de su padre lo obliga a trasladarse con una abuela a la que apenas conoce. En un entorno rural alejado de la vida que llevaba hasta entonces, ambos deben aprender a convivir mientras el muchacho empieza a descubrir que la historia de su familia está hecha de ausencias, adicciones, abandonos y asuntos nunca resueltos. El relato acompaña también a Rubén en su crecimiento, cuando aquello que presenció de niño empieza a adquirir un significado diferente.

Para su debut detrás de la cámara, Jaime Lorente elige un camino bastante alejado del escaparate de la celebridad que podría haberle resultado más cómodo. Su puesta en escena es seca, contenida y poco complaciente. La fotografía de Elías M. Félix aprovecha la escasez de luz y el paisaje de la huerta murciana para construir un mundo detenido, mientras la narración atraviesa distintas generaciones sin buscar embellecerlas. Susi Sánchez aporta el centro emocional de la película con una interpretación que rehúye el personaje de abuela protectora convencional: en ella conviven dureza, cansancio, afecto y una capacidad práctica para enfrentarse a lo que otros han abandonado.

El mal hijo quiere hablar de aquello que los adultos dejan a los hijos sin darse cuenta: no solo recuerdos, sino maneras de relacionarse, culpas, dependencias y formas de huir. Lorente acumula quizá demasiadas cuestiones y no todas alcanzan la misma profundidad, pero hay convicción en su mirada y una saludable negativa a convertir el sufrimiento en espectáculo. Su mejor intuición consiste en contar la familia desde quien todavía está aprendiendo qué significa formar parte de ella. Rubén no recibe un pasado explicado; recibe sus consecuencias. Crecer será decidir qué hacer con ellas.

🎬 La opinión del Sr. Director

Olivia Wilde y Jaime Lorente filman dos hogares muy diferentes, pero en ninguno resulta posible esconderse durante demasiado tiempo. En La invitación, cuatro adultos descubren que hablar sinceramente puede ser mucho más peligroso que desear; en El mal hijo, un niño comprende que pertenecer a una familia significa recibir también aquello que nadie supo resolver antes de su llegada.

Una película utiliza la risa para abrir grietas; la otra, la quietud para observar lo que queda dentro de ellas. Tal vez por eso hacen buena compañía esta semana: ambas recuerdan que las paredes guardan poco. Tarde o temprano, alguien acaba diciendo lo que ocurre dentro.

El cine entra en las casas para mostrarnos lo que a veces ni siquiera sus habitantes se atreven a mirar.
Nos vemos entre butacas.

Las fotos de la semana: del 5 al 11 de octubre 2026

Los viernes, al cine: estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

Vidas reducidas a una cifra, vidas buscando un lugar

Hay semanas en las que dos películas parecen encontrarse en un punto que ninguna había previsto. Naza observa la guerra desde quienes conocen por dentro los mecanismos capaces de convertir una vida civil en un cálculo previo a un ataque. Ceniza en la boca mira a quienes abandonan su país creyendo que al otro lado de la frontera comenzará una vida mejor. Una habla de personas convertidas en estadísticas; la otra, de personas obligadas a demostrar una y otra vez que merecen un lugar. En ambas queda una pregunta incómoda: cuánto tarda una sociedad en dejar de ver a alguien como individuo.

Naza

Naza, dirigida por Yuval Abraham y Rachel Szor, reúne los testimonios de veinticuatro miembros y antiguos miembros de las fuerzas armadas y de los servicios de inteligencia israelíes. Filmados principalmente de noche y con sus identidades protegidas, explican procedimientos utilizados durante la guerra de Gaza para localizar objetivos, vigilar a sospechosos y calcular de antemano el número de civiles que podían morir durante determinados ataques. La película reconstruye estos sistemas a partir de entrevistas e investigaciones periodísticas desarrolladas junto a medios como The Guardian, +972 Magazine y Local Call.

Abraham y Szor toman una decisión formal decisiva: renuncian casi por completo a convertir la violencia en espectáculo. No necesitan mostrarnos una sucesión de explosiones porque su material más perturbador está en las palabras y en el tono casi administrativo con el que algunos testimonios describen decisiones de consecuencias irreversibles. Las azoteas nocturnas de Tel Aviv, los rostros ocultos y los largos silencios crean una atmósfera austera, cercana al cine de investigación. El documental formula una acusación muy grave sobre el funcionamiento de determinadas operaciones militares israelíes; las autoridades y el ejército israelí han rechazado sus conclusiones y han calificado la película de engañosa. Esa controversia no elimina la fuerza cinematográfica de un trabajo que obliga a escuchar cómo quienes participaron en esos sistemas explican su funcionamiento.

El Premio Especial del Jurado obtenido en Venecia resulta comprensible ante una película que encuentra su potencia precisamente en la ausencia de énfasis. Naza habla menos del instante de la destrucción que del proceso que la hace posible: clasificar, calcular, autorizar, convertir una decisión humana en procedimiento. Su pregunta más inquietante no pertenece únicamente a este conflicto. Tiene que ver con nuestra capacidad para acostumbrarnos al sufrimiento ajeno cuando una palabra técnica consigue alejarlo lo suficiente. El documental no permite esa distancia. Nos obliga a devolver una persona a cada cifra.

Ceniza en la boca

Ceniza en la boca, dirigida por Diego Luna, sigue a Lucila, una joven mexicana que viaja a Madrid junto a su hermano Diego para reunirse con su madre, que emigró a España ocho años antes y trabaja sin regularizar su situación para mantener a la familia. El reencuentro no se parece a aquello que los hermanos habían imaginado. La precariedad, el cansancio y los años de separación han transformado a todos, y Lucila debe encontrar su lugar en una ciudad nueva mientras intenta mantener unida una familia que llega al encuentro cargando demasiado pasado.

Diego Luna evita convertir la migración en un discurso general y concentra la película en sus consecuencias íntimas. La cámara permanece cerca de Lucila, de su desorientación y de esa sensación de estar siempre llegando a lugares donde nadie parece esperarla del todo. Anna Díaz sostiene el relato con una interpretación contenida, acompañada por Adriana Paz en el papel de una madre marcada por años de supervivencia. Madrid aparece sin postal turística: estaciones, viviendas pequeñas, empleos precarios y calles llenas de gente donde resulta posible sentirse completamente sola.

Ceniza en la boca entiende algo que a menudo queda fuera de las historias sobre emigración: marcharse no significa dejar atrás una vida y comenzar otra limpia. Uno lleva consigo las ausencias, los reproches y el tiempo perdido. Lucila no busca únicamente integrarse en España; intenta comprender a una madre que tuvo que marcharse para protegerla y que, al hacerlo, también dejó una herida. Diego Luna encuentra aquí una emoción sin sentimentalismo fácil. La verdadera frontera de la película no está entre México y España, sino entre las personas que se quieren y ya no saben cómo volver a reconocerse.

🎬 La opinión del Sr. Director

Naza y Ceniza en la boca colocan el foco en personas cuya existencia puede quedar reducida a categorías: daño colateral, inmigrante, irregular, víctima. El cine hace justamente lo contrario. Devuelve rostro, voz, historia y contradicciones a aquello que el lenguaje administrativo simplifica.

Abraham y Szor investigan cómo una estructura puede deshumanizar. Diego Luna observa qué ocurre después, cuando alguien cruza una frontera intentando recuperar un futuro. Son películas difíciles por razones distintas, pero ambas reivindican algo elemental: mirar de cerca antes de juzgar desde lejos.

Quizá una película no pueda reparar el mundo, pero todavía puede impedir que dejemos de mirar a quienes lo sufren.
Nos vemos entre butacas.

Las fotos de la semana: del 28 de septiembre al 4 de octubre 2026

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

El precio de quererlo todo

Dos películas muy distintas colocan esta semana el deseo bajo sospecha. Digger mira hacia las alturas del poder, donde un magnate convencido de controlar el mundo descubre que sus actos pueden conducirlo al desastre. Nuda propiedad baja hasta un problema mucho más cotidiano: conseguir una casa cuando tener un techo se ha convertido en una carrera de obstáculos. Iñárritu trabaja desde la sátira desmesurada; Alberto Utrera, desde una comedia negra reconociblemente española. En ambos casos, detrás de la ambición aparece una pregunta incómoda: cuánto estamos dispuestos a sacrificar para conseguir aquello que creemos necesitar.

Digger

Digger, dirigida por Alejandro G. Iñárritu, presenta a Digger Rockwell, un magnate del petróleo situado entre los hombres más poderosos del planeta. Cuando una de sus operaciones provoca una catástrofe capaz de poner en peligro a la humanidad, Rockwell emprende una frenética campaña para reparar el daño y presentarse ante el mundo como su salvador. Rodeado de políticos, científicos, asesores y otros representantes de las élites, el protagonista intenta controlar tanto las consecuencias del desastre como el relato público de lo sucedido.

Iñárritu abandona aquí la gravedad más solemne de El renacido para abrazar una sátira deliberadamente excesiva. Emmanuel Lubezki vuelve a acompañarlo en la fotografía y la puesta en escena convierte el caos en espectáculo: movimientos amplios, deformaciones visuales, teatralidad y personajes que parecen avanzar siempre a un paso de la caricatura. Tom Cruise acepta ese juego con una entrega inhabitual, escondiendo buena parte de su imagen de estrella bajo maquillaje y gestos desmesurados. Frente a él, Riz Ahmed, Sandra Hüller, John Goodman y Jesse Plemons forman un coro donde ciencia, política, negocio y comunicación compiten por imponer su propia versión de la realidad.

Digger es una película de difícil equilibrio. Su exceso puede resultar estimulante o agotador según cuánto se acepte la apuesta de Iñárritu por convertir el fin del mundo en una farsa. Pero detrás del ruido hay una idea especialmente pertinente: quienes provocan una crisis suelen ser también quienes intentan apropiarse de su solución. Digger no quiere únicamente corregir el desastre; necesita seguir siendo el protagonista. Y en ese narcisismo encuentra la película su mejor mordiente: una sociedad capaz de convertir incluso la catástrofe en una campaña de imagen.

Nuda propiedad

Nuda propiedad, dirigida por Alberto Utrera, sigue a Vera y Lucas, una pareja cercana a los cuarenta que ve cada vez más imposible acceder a una vivienda. La oportunidad aparece cuando encuentran un gran piso a un precio asumible mediante una operación de nuda propiedad: ellos adquieren el inmueble, pero Jesús, su anciano propietario, conservará el derecho a vivir en él hasta su muerte. Lo que parecía una solución perfecta comienza a torcerse cuando Jesús, aparentemente muy enfermo, demuestra una vitalidad inesperada y la impaciencia de la pareja empieza a transformar sus expectativas en algo mucho más oscuro.

Alberto Utrera parte de un problema real para construir una comedia en la tradición de esa España cinematográfica donde una necesidad económica termina conduciendo a personajes corrientes hacia situaciones moralmente disparatadas. Resulta inevitable pensar en la sombra de Berlanga, Azcona o El pisito, aunque la película traslada esa tradición a una generación marcada por alquileres imposibles y una estabilidad que siempre parece aplazada. Susana Abaitua y Maxi Iglesias funcionan precisamente porque Vera y Lucas no nacen como personajes perversos: son dos ciudadanos normales a los que la frustración empieza a deformar.

Ahí está el verdadero hallazgo de Nuda propiedad. La película no necesita inventar un villano porque el antagonista ya existe: un mercado que convierte el deseo de tener hogar en una fuente permanente de ansiedad. El humor negro surge cuando la pareja empieza a mirar la longevidad de otro ser humano como un problema financiero. Utrera lleva esa contradicción hacia el absurdo y, aunque el relato se adentra después en terrenos más convencionales de comedia criminal, permanece una sensación incómoda: cuando una necesidad básica se vuelve inaccesible, incluso personas razonables pueden empezar a fantasear con soluciones poco razonables.

🎬 La opinión del Sr. Director

Digger mira a un hombre que posee casi todo y todavía necesita más. Nuda propiedad observa a dos personas que apenas quieren conseguir algo tan elemental como una casa. Entre ambos extremos aparece una misma enfermedad: cuando el deseo se convierte en obsesión, nuestra forma de mirar a los demás empieza a cambiar.

Iñárritu convierte al poderoso en bufón; Utrera convierte al ciudadano corriente en sospechoso de sus propios pensamientos. Dos comedias oscuras que quizá nos hagan reír antes de preguntarnos de qué nos estamos riendo.

A veces el cine nos hace reír para que bajemos la guardia y podamos reconocernos en aquello que preferiríamos negar. Nos vemos entre butacas.

Las fotos de la semana: del 21 al 27 de septiembre 2026