Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

Heridas que viajan en el tiempo

El cine europeo continúa demostrando que la memoria sigue siendo uno de sus territorios más fértiles. Esta semana llegan dos obras ambiciosas, densas y emocionalmente complejas, que observan cómo el pasado se incrusta en el presente. Desde Alemania hasta Portugal, estas películas hablan de cuerpos, familias, violencia íntima y cicatrices históricas que no desaparecen aunque cambien los paisajes.

El sonido de la caída (In die Sonne schauen, 2025)

El sonido de la caída, dirigida por Mascha Schilinski, sigue a varias generaciones de mujeres vinculadas a una misma granja alemana a lo largo de distintas épocas del siglo XX. A través de figuras femeninas que atraviesan infancia, juventud y madurez, la película muestra cómo los ecos del trauma, la represión y los secretos familiares se transmiten de unas vidas a otras. Los personajes cambian con el tiempo, pero todos parecen escuchar el mismo rumor soterrado del pasado.

Mascha Schilinski firma una obra de enorme ambición formal. Su narrativa fragmentada, construida a base de saltos temporales y asociaciones sensoriales, exige al espectador una implicación activa. La directora no busca ordenar el tiempo, sino hacerlo convivir. Cada estancia de la casa, cada objeto y cada sonido se convierten en depósitos de memoria. La puesta en escena posee una extraña belleza espectral, donde lo cotidiano siempre parece esconder una amenaza antigua.

Esta película es una experiencia absorbente y perturbadora. No siempre resulta cómoda ni transparente, pero precisamente ahí reside su potencia. Habla de la herencia invisible del dolor, de aquello que una familia calla hasta convertirlo en atmósfera. Es cine exigente, sí, pero también profundamente valioso: una película que no se consume, sino que permanece.

La risa y la navaja (O Riso e a Faca, 2025)

La risa y la navaja, dirigida por Pedro Pinho, se centra en Sergio, un ingeniero portugués desplazado a África occidental por motivos laborales. Allí entra en contacto con distintas comunidades locales, compañeros expatriados y una realidad social que desborda sus certezas europeas. Mientras intenta adaptarse, sus relaciones personales y afectivas le obligan a confrontar privilegios, contradicciones y deseos que creía bajo control.

Pedro Pinho vuelve a demostrar su interés por los relatos abiertos, por el cine entendido como observación política y humana. La película rehúye los esquemas convencionales para sumergirse en conversaciones, tensiones culturales y situaciones donde lo íntimo y lo geopolítico se entrelazan. Hay humor, incomodidad y una voluntad constante de cuestionar la mirada occidental sobre otros territorios.

La risa y la navaja posee la virtud de incomodar sin sermonear. Es una obra larga, expansiva y a ratos deliberadamente errante, pero en esa deriva encuentra su sentido. Nos habla de hombres que creen entender el mundo y descubren que apenas se entienden a sí mismos. Su filo no está en la denuncia explícita, sino en la lucidez con la que desmonta ciertas superioridades heredadas.

🎬 La opinión del Sr. Director

Dos películas muy distintas en forma, pero hermanadas en el fondo. Una observa cómo el pasado envenena generaciones; la otra cómo el presente arrastra viejas jerarquías coloniales. Ambas recuerdan que nadie llega limpio al ahora: todos cargamos historias previas, heredadas o ignoradas. El mejor cine europeo actual sigue atreviéndose a mirar donde otros apartan la vista.

Hay caídas que resuenan durante décadas y sonrisas que esconden cuchillas. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

Las fotos de la semana: del 13 al 19 de abril 2026

 

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

El arte de mirar el mundo: entre la memoria y la palabra

Hay semanas en las que el cine parece detenerse a pensar. No a entretener, no a impresionar, sino a observar. Esta vez, dos películas llegadas desde geografías muy distintas —Japón y Colombia— comparten una misma inquietud: cómo dar forma a la experiencia humana a través del arte. Ya sea mediante la mirada silenciosa o a través del lenguaje, ambas propuestas exploran la fragilidad de quienes intentan comprender su lugar en el mundo.

Renoir

Renoir, dirigida por Chie Hayakawa, sigue a una joven que atraviesa una etapa de transición personal marcada por la pérdida y la incertidumbre. En un entorno cotidiano, aparentemente sereno, la protagonista intenta reconstruir su identidad mientras se enfrenta a los silencios familiares y a la ausencia emocional que la rodea. La historia se centra en su proceso de observación del mundo y en cómo las pequeñas experiencias cotidianas van moldeando su forma de entender la vida.

Chie Hayakawa vuelve a demostrar una sensibilidad extraordinaria para capturar lo invisible. Su cine, heredero de cierta tradición japonesa que privilegia el gesto mínimo sobre el conflicto explícito, construye aquí un relato pausado, casi contemplativo. La cámara observa más que interviene, y el montaje se pliega a un ritmo interno que obliga al espectador a habitar el tiempo de la protagonista. No hay estridencias ni giros dramáticos, sino una delicada acumulación de instantes.

El Sr. Director percibe en Renoir una obra profundamente honesta, aunque no exenta de exigencia para el espectador. Es una película que pide silencio, atención y cierta disposición a la introspección. En su aparente sencillez se esconde una reflexión sobre la memoria, la pérdida y la necesidad de aprender a mirar de nuevo. No es cine para todos los públicos, pero sí para quienes entienden que, a veces, lo más importante ocurre fuera de campo.

Un poeta

Un poeta, dirigida por Simón Mesa Soto, presenta la historia de un hombre que intenta abrirse camino en el mundo de la literatura mientras lidia con sus propias inseguridades y frustraciones. En una ciudad que parece avanzar sin él, el protagonista busca reconocimiento y sentido a través de la escritura, enfrentándose tanto a sus limitaciones personales como a un entorno poco receptivo a sus aspiraciones.

Simón Mesa Soto construye un retrato íntimo y, por momentos, incómodo de la figura del artista contemporáneo. Con un tono que oscila entre la ironía y la melancolía, la película se adentra en las contradicciones de alguien que desea ser escuchado, pero que no siempre sabe qué decir. La puesta en escena es contenida, cercana al realismo, y se apoya en una interpretación central que sostiene el peso emocional del relato.

Para el Sr. Director, Un poeta funciona como una disección lúcida —y en ocasiones cruel— del ego creativo. Hay en ella una mirada honesta sobre el fracaso, sobre la distancia entre la ambición y el talento, y sobre el vértigo de enfrentarse a uno mismo. No busca idealizar al artista, sino desnudarlo. Y en ese gesto, profundamente humano, encuentra su mayor virtud.

🎬 La opinión del Sr. Director

Dos películas, dos formas de enfrentarse al mundo desde la creación. Renoir propone el silencio como lenguaje; Un poeta, la palabra como campo de batalla. En ambas, sin embargo, late la misma inquietud: la dificultad de ser y de expresarse en un entorno que no siempre escucha. Esta semana, el cine nos recuerda que el arte no es una respuesta, sino una forma de preguntar.

Porque a veces, mirar y escribir son simplemente dos maneras de sobrevivir. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

Las fotos de la semana: del 6 al 12 de abril 2026

 

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

Estrenos de la semana

Vivir con lo incontrolable

Esta semana el cine se enfrenta a aquello que escapa a nuestra voluntad: el cuerpo que se rebela, el tiempo que se agota, el mundo que se vuelve imprevisible. Dos películas que, desde registros muy distintos, exploran la dificultad de mantener el control cuando la realidad se impone con sus propias reglas.

Incontrolable

Incontrolable (I Swear), dirigida por Kirk Jones, sigue a un hombre que vive con síndrome de Tourette mientras intenta desenvolverse en su entorno personal y profesional. La historia se centra en su día a día y en las dificultades que surgen cuando su condición, marcada por tics motores y vocales involuntarios, interfiere en sus relaciones, obligándole a enfrentarse tanto a la incomprensión de los demás como a sus propios límites.

Jones aborda el relato con una mirada respetuosa y contenida, evitando caer en el subrayado dramático. La cámara acompaña al protagonista desde la proximidad, permitiendo que el espectador perciba la tensión constante entre lo que desea expresar y lo que su cuerpo impone.

Más allá del retrato de una condición neurológica, Incontrolable se convierte en una reflexión sobre la identidad y la dignidad. El film encuentra su fuerza en lo cotidiano, en los pequeños gestos, y en la capacidad de su protagonista para afirmarse frente a un entorno que no siempre está dispuesto a comprender.

Buena suerte, pásalo bien, no mueras

Buena suerte, pásalo bien, no mueras (Good Luck, Have Fun, Don't Die), dirigida por Gore Verbinski, arranca en un restaurante abarrotado donde un hombre irrumpe asegurando venir del futuro. Afirma haber regresado en múltiples ocasiones con la misma misión: evitar un apocalipsis provocado por la inteligencia artificial. Para lograrlo, deberá convencer a un grupo de clientes, completamente ajenos y poco preparados, de que colaboren en una tarea que podría decidir el destino de la humanidad, mientras el tiempo juega en su contra y la realidad comienza a desbordarse.

Verbinski construye un relato desbordado, donde el exceso forma parte del propio lenguaje de la película. El ritmo es constante, casi caótico, y la puesta en escena abraza la saturación como forma de expresión, convirtiendo cada secuencia en un juego entre el absurdo y la amenaza.

Bajo esa superficie lúdica se esconde una mirada irónica sobre el presente. Buena suerte, pásalo bien, no mueras no solo habla de futuros posibles, sino de un presente dominado por la tecnología y la sobreestimulación. El film convierte el entretenimiento en reflexión, sin perder nunca su vocación de espectáculo.

🎬 La opinión del Sr. Director

Una película mira hacia dentro, hacia el cuerpo y sus límites; la otra hacia fuera, hacia un mundo que se descompone en tiempo real. Ambas coinciden en algo esencial: el control es una ilusión frágil. El cine, cuando lo reconoce, nos sitúa frente a una verdad incómoda pero profundamente humana.

Porque vivir también consiste en aprender a convivir con lo imprevisible. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

Las fotos de la semana: del 30 de marzo al 5 de abril 2026

Los viernes, al cine, con el Sr. Director

 

Las fotos de la semana: del 23 al 29 de marzo 2026

Los viernes, al cine: Estrenos de la semana

 

Estrenos de la semana

La mirada que define

Esta semana el cine se detiene en cómo miramos a los otros y, sobre todo, en cómo esa mirada puede construir o destruir identidades. Dos películas que abordan realidades distintas —la diferencia intelectual y la credibilidad de la palabra— pero que coinciden en una misma pregunta: quién tiene el poder de nombrar la verdad.

Altas capacidades

En Altas capacidades, Víctor García León se adentra en la vida de un niño con altas capacidades intelectuales que lucha por encajar en un sistema educativo que no está preparado para comprender su singularidad. A través de su entorno familiar y escolar, la película explora los límites de la normalidad impuesta.

García León construye un relato cercano, de observación fina, evitando el sentimentalismo fácil. La cámara se sitúa a la altura del niño, permitiendo que el espectador experimente la distancia entre su mundo interior y la rigidez del entorno que lo rodea.

Altas capacidades no busca convertir a su protagonista en excepción, sino en espejo. La película plantea una reflexión incómoda sobre los sistemas que clasifican y limitan, y sobre la dificultad de aceptar aquello que se sale de la norma.

Yo te creo

La película belga Yo te creo (On vous croit), dirigida por Charlotte Devillers y Arnaud Dufeys, sigue a una joven que denuncia un episodio de violencia, desencadenando un proceso judicial y social donde su palabra será puesta constantemente en duda. El film examina las dinámicas de credibilidad en contextos institucionales.

Devillers y Dufeys apuestan por una puesta en escena sobria, casi clínica, que refuerza la sensación de aislamiento de la protagonista. Cada interrogatorio, cada silencio, se convierte en un espacio de tensión donde la verdad parece diluirse.

Yo te creo es un cine incómodo, necesario, que cuestiona la estructura misma de la confianza social. La película no ofrece respuestas fáciles, pero deja una pregunta persistente: qué significa realmente creer a alguien.

🎬 La opinión del Sr. Director

Entre la inteligencia que no encaja y la palabra que se pone en duda, estas dos películas nos recuerdan que la mirada del otro puede ser tanto refugio como condena. El cine, cuando se atreve a explorar esa frontera, se convierte en un espacio de cuestionamiento profundo.

Porque entender al otro empieza, muchas veces, por aprender a mirarlo de nuevo. Nos vemos entre butacas. 🎬✨

Las fotos de la semana: del 16 al 22 de marzo 2026